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Miguel Ángel Moreno Carretero (El Carpio, Córdoba, 1980) lleva a cabo un trabajo multidisciplinar combinando los géneros tradicionales y la instalación, con especial interés en las intervenciones —sobre todo paisajísticas— en espacios públicos atendiendo al arte relacional.

Actualmente vive en Granada donde dirige el Espacio Lavadero (coworking /laboratorio cultural) Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, ha sido galardonado con premios como el Pepe Espaliú, el Desencaja, la Beca de Artes Nobles o el Premio de Arte Joven de la Junta de Andalucía.

Fue residente de la Fundación Antonio Gala y obtuvo la Beca de la Fundación Rodríguez-Acosta y, en dos ocasiones, la de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí o la beca Daniel Vázquez Días que otorga anualmente la Diputación de Huelva.
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Su obra ha sido expuesta en ferias y centros de arte como Zona MACO (México DF), Art-Liège.BE (Lieja), Matadero Madrid, Just Madrid, Art Madrid, Centro

Andaluz de Arte Contemporáneo – CAAC (Sevilla), CAC (Málaga), Casa Góngora (Córdoba), Capela de Santa María (Lugo), Torres Hejduk (Santiago de Compostela) o ECCO (Cádiz), y galerías como Birimbao (Sevilla), Trinta (Santiago de Compostela) o La Fábrica (Madrid) han presentado exposiciones individuales suyas en los tres últimos años.

Además, algunas de sus obras forman parte de las colecciones de las diputaciones de Córdoba y Burgos, del Centro de Arte y Naturaleza – CDAN de Huesca y del Museo de Jaén. Paralelamente a su trayectoria como artista ha desarrollado una extensa labor como gestor cultural. En este sentido destaca su labor como creador y director de Scarpia: Jornadas de Intervención Artística en el Espacio Natural y Urbano, que se desarrollaban en El Carpio (Córdoba) hasta el 2016 , Actualmente desarrolla con este equipo el proyecto FAR (Foro Arte Relacional) del que dirige el programa de formación FAR 365 con universidades y escuelas de arte de Andalucía, También ha sido comisario o director de proyectos organizados por el Ayuntamiento de Córdoba como la Noche Blanca del Flamenco, El Semillero de Orive, Cosmoarte (Cosmopoética, festival internacional de poesía) o Iconos 2016, con la Fundación Córdoba Ciudad Cultural 2016. Además ha sido profesor en varios cursos sobre arte y naturaleza impartidos en el CDAN (Huesca), el CAAC (Sevilla) y las universidades de Córdoba, Castellón, Sevilla, León y Granada, entre otras.

Tras varios años como músico, disc-jockey y productor, Javier Idoipe Rubio, más conocido como Idoipe, ha lanzado su primer disco solitario, toda una declaración de intenciones. En él se fusionan instrumentos tradicionales como la bandurria o la flauta de pico del folclore aragonés, con la guitarra eléctrica, la música indie electrónica, o la percusión sintética. Bajo el diseño del turco Alper Yesiltas y el sello Tragaluz, Cierzo Lento construye un nuevo universo musical con ocho pistas en las que acopla la tradición y las influencias contemporáneas que se mezclan con toques de su melódica voz.
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FRAGMENTOS EXTRAIDOS DE MUZIKALIA

¿Sobre qué idea construiste el sonido tuyo? ¿Tenías alguna fijación por algún sonido, imagen, película, libro, referencia, ambientación específica?
‍Para este disco en concreto me he centrado en sonidos, imágenes, naturaleza e historias vinculadas a mi tierra natal y en ritmos electrónicos, adoro los bajos electrónicos y la fuerza que tienen, así como la mezcla que hago con la tradición.La gran fijación que tengo es este amor odio que tenemos los aragoneses hacia el cierzo.

‍No soy el único, artistas aragoneses como Héroes del Silencio, Violadores del Verso, Pablo Serrano… en referencia a otras artes, “Giorgio de Chirico” siempre ha sido una gran inspiración para mí, la forma de plasmar el aire en sus cuadros me fascina y desde que lo conocí me quedé algo de él. En general me suelen inspirar diversas cosas, no hay un patrón. Por ejemplo, mi primer trabajo “Sphenoid” nació de una obsesión repentina hacia un hueso y la poética que me suscitaba su simetría y similitud con otras cosas.

¿Por qué?, decidiste llamarlo así y representarlo con ese sonido?
‍Siempre he buscado la musicalidad en las palabras, el cierzo es un viento muy intenso que nos trae de cabeza a todos los aragoneses y en formato lento no existe para nosotros, dándole vueltas reparé en la importancia de desear una utopía, esta mezcla de orgánica y downtempo me dio mucho juego para desarrollar este concepto.

¿Este trabajo nace de la necesidad de ir más allá del sonido que nos tienes acostumbrado? ¿Cuál es el concepto que hay detrás?
‍Surge de una necesidad, pero no necesariamente desde un lugar racional, no era la búsqueda de un sonido sino más bien una necesidad del alma.En lo que se refiere al concepto, como comentaba, siempre he estado ligado a la escuela de música folclórica de mi ciudad, aunque producía más centrado en la electrónica y en otros estilos, había algo de mí que nunca dejaba de lado el folk de la región.


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Mi obra surge de la observación de la realidad que me rodea. Una realidad de manifiesta sencillez cuyos detalles, aunque aparentemente invariables, vibran ligeramente en el devenir de lo cotidiano.

Es concretamente a través del acercamiento a espacios y objetos de uso común, que se despierta en mí un interés por destapar lo oculto del motivo en cuestión, sepultado por la banalidad que su familiaridad le atribuye.
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Así, traduzco este interés mediante la creación artística en forma de ensamblajes de objetos, palabras, fotografías y vídeos. Mi aportación es breve pero concisa: con la justa dosis de acción pretendo revelar el secreto que atesoran; el mensaje: una invitación a mirar y querer ver.


La colección de la ausencia.
‍El color verde de los arbustos recién podados contrastaba con el rojo de los ladrillos de las casas unifamiliares. El pesado cielo gris se posó sobre este telón de fondo y lo bañó todo con una luz gris. De repente mi atención fue atraída por un punto blanco en el suelo. Mientras me acercaba, vi un molde de poliestireno. Era una de esas piezas que normalmente usarías como material de embalaje para artículos frágiles. Inmediatamente me entusiasmé con su apariencia. Inmediatamente tuve que pensar en algún tipo de tótem.

La forma en sí tenía cierta presencia, por lo que el uso original ya no importaba. La disposición del espacio interior tenía forma ascendente como si fuera una escalera. Seguí caminando y dos calles después encontré una forma diferente: mismo tamaño, misma escala, mismo material. ¿Se complementan? El espacio interior, sin embargo, se veía diferente.Cuando llegué a casa, coloqué mis dos nuevos tesoros en la mesita de noche, uno al lado del otro, con la parte interior hacia el frente.

Los pequeños daños de las superficies desgastadas dan testimonio de una historia de vida muy larga y me recordaron al mármol. Encontré un lugar para ella entre mis pertenencias de Londres.

Con la intención de descubrir por qué estaba tan cautivado con ellos, los llevé a mi pequeño estudio asignado de inmediato. Quería resaltar su esencia. Entonces comencé a hacer bocetos rápidos y notas. Sentí que contenían un universo de ideas secretas. Por un lado me parecían redondos, pesados ​​y magníficos, por otro lado tranquilos e íntimos. Rápidamente se convirtieron en fuente de inspiración para mi trabajo en las próximas semanas. Tótems, huevos, nichos... Siempre que hacía otra cosa, las formas estaban presentes en la habitación o en mi mente.

El tiempo de mi estadía pasó rápido y luego de una presentación final, fotografié mi trabajo y tuve que guardar todo como si nada hubiera pasado. Lo que era significativo para mí tenía que quedarse ahí. Aunque incursiono en varios artículos y siempre estoy agregando a mi colección, no quería aferrarme a nada. Mi estadía estaba destinada a tener un principio y un final, y el acto de descarte fue la decisión correcta para mí. Así que tiré mis queridas formas a la basura donde tal vez siempre pertenecieron. Hoy son parte de mi memoria. Tal vez por eso se han vuelto más importantes para mí. Hoy forman parte de mi colección de los ausentes.


Natalia Escudero López
Memorias de Londres, noviembre de 2015
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Chalo Moca es Gonzalo Moreno Causapé.Ser humano, muralista y técnico superior en artes gràficas especializado en Ilustraciòn por la Escuela de Artes de Zaragoza.Le fue concedida una beca y acabó sus estudios de Ilustración en Milán.Es también licenciado en Económicas.

En sus creaciones le gusta:-plantear imágenes sencillas pero con contenido.-mezclar técnicas, formatos y estilos.-exaltar la irrealidad como vía de escape.-glorificar la Naturaleza y cuestionar al hombre.-jugar con la polisemia, la simbología y la retórica visual.

En el año 2009 forma junto a su hermano Alva Moca el tándem FRATELLI MOCA, realizando juntos multitud y muy diversos proyectos creativos, así como varias exposiciones.

‍Individualmente ha participado también en diversas muestras, tanto individuales como colectivas.

Asimismo ha sido seleccionado para participar en numerosos Festivales de arte urbano y eventos de "pintura en directo".

Colabora activamente con diversas galerías de arte de España y ha participado en ferias como Hybrid o Urvanity, especializada en arte urbano y nuevo arte contemporáneo.

Ha impartido, e imparte, talleres de pintura mural para niños y adultos. También ha asistido a numerosos talleres.

Tras volver de su experiencia en Milàn dónde trabajó como art director para la agencia creativa DUDE, actualmente reside y trabaja como freelance en Madrid, donde combina trabajos de diseño gráfico e ilustración freelance con diversos y muy variados proyectos artísticos.